Descubriendo artistas: Carlos Pérez Llorente

 

Carlos Pérez Llorente
Fuente: Diario de León

Aunque el nombre de Carlos Pérez Llorente nos conduce a pensar en primer lugar en fotografía, se trata de un artista multidisciplinar que abarca diferentes facetas, desde fotografía, pintura, escultura...

De esta forma, y recientemente, en 2019, sorprendió con su trabajo junto con Lemuel Quiroga con la presentación de dos parabólicas intervenidas, desafiando los métodos convencionales de creación artística. “Las antenas, objetos ya casi en desuso, pierden su función real para convertirse en lienzos imposibles y de esta manera comprobar cómo el arte, a veces, escapa de las paredes para ocupar nuevos espacios y crear nuevos diálogos.” Una pieza que formó parte de la exposición ‘Parabölicas’ en la que además de los artistas mencionados, participaban treinta y uno más, quienes exploraron las posibilidades creativas que ofrecían estos objetos reciclados.  A través de su pieza Carlos Pérez representa un paisaje urbanizado que juega con la sinuosidad y abultamiento del objeto, simulando la vista de una claraboya o un espejo convexo. El paisaje imposible aparenta no tener principio ni fin y entremezcla técnicas como el collage y la pintura acrílica.

Ganó la segunda edición del Certamen de Fotografía Urbana Contemporánea Leonesa, organizado por la Cámara de la Propiedad Urbana de León y el Centro de Negocios, una edición en la que las fotografías que se presentaron debían estar realizadas en cualquier núcleo urbano situado dentro de la provincia de León. Carlos Pérez consiguió el primer premio  por la fotografía Historia de una sombra. 

Carlos Pérez
Historia de una sombra
Fotografía ganadora II Certamen de Fotografía Urbana Contemporánea Leonesa

Posteriormente, anexo a la exposición de los ganadores del III Certamen de Fotografía Urbana Contemporánea Leonesa, Carlos Pérez expuso ‘...De la soledad’, un trabajo muy personal que, a través del simbolismo, las líneas y las sombras, trata de reflejar la soledad del ser humano, «sobre todo en las ciudades», detalló el artífice de esta obra durante la presentación de la muestra. Una exposición que alcanzó carácter itinerante y se pudo disfrutar además en el Museo de León, en Ponferrada y en Astorga. 

Y de la deriva que vienen tomando los habitantes de las grandes ciudades, viajamos hacia lo natural, y continuando por la fotografía, Carlos Pérez, conocido como el hombre de los árboles desnudos y los contraluces mágicos,  ya nos sorprendió y conquistó con su obra presentada en 2019 para la exposición colectiva ‘Microespacios creativos’ en el Torreón de Pernía en 2019, con una imagen digital transferida a dibón titulada ‘Juegos de agua I’. 

Carlos Pérez junto con su obra 'Juegos de agua I'
En la exposición 'Microespacios creativos'

Y continuando con la naturaleza, en este caso, Carlos Pérez presenta una escultura, El vuelo: El paisaje evocador de la naturaleza con un tratamiento poético, surge con intensidad y carga bucólica en el ready-made creado por Carlos Pérez, que sugiere un pájaro volando sobre una nube, en realidad un maravilloso y genuino trampantojo (Luis García)

Carlos Pérez,
El vuelo, 2020
Técnica mixta (virutas acero inoxidable, hierro y madera)

Carlos Pérez,
El vuelo, 2020
Técnica mixta (virutas acero inoxidable, hierro y madera)

ENLACES DE INTERÉS:

Estas son las imágenes ganadoras del Certamen de Fotografía Urbana Leonesa: https://www.ileon.com/cultura/068382/estas-son-las-imagenes-ganadoras-del-certamen-de-fotografia-urbana-leonesa 

“…De la Soledad”, diez fotografías de Carlos Pérez Llorente en el Museo de León: https://tamtampress.es/2018/02/09/de-la-soledad-diez-fotografias-de-carlos-perez-en-el-museo-de-leon/ 

Camarote Madrid presenta dos parabólicas 'usadas' como lienzo por Carlos Pérez y Lemuel Quiroga: https://www.leonoticias.com/culturas/pintura/camarote-madrid-presentara-20190805183719-nt.html 

Pérez Llorente gana el certamen de Fotografía Urbana de León: https://www.diariodeleon.es/articulo/cultura/perez-llorente-gana-certamen-fotografia-urbana-leon/201611190400011640762.html

Descubriendo artistas: Rafael Anel

Rafael Anel
Fuente: tamtampress.es

 “Mi obra se centra en el análisis de la paradoja de la hipermodernidad, cuanto más tenemos, cuanto más consumimos, más buscamos la reflexión, la espiritualidad. Mi pintura cada vez tiende más a la abstracción como lugar de reflexión y ensimismamiento.” 

Con estas palabras de Rafael Anel Martín-Granizo para Cooltura, comenzamos hablando de este artista que nació en León en 1969. Aunque en 1992 se diplomó en  Marketing y Gestión Comercial pronto se acercaría a los estudios artísticos, licenciándose en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca, y en 1999 gracias a una beca Erasmus el artista exploró nuevas vías de expresión a través de las nuevas tecnologías en la Escola Superior de Artes e Design de Caldas de Rainha (Portugal).

En el año 2002 y tras ser seleccionado por la Excma. Diputación de León con un proyecto expositivo, comienza a trabajar con la galería ‘Arte Lancia’, que en esos momentos representa a artistas nacionales de la talla de Vela Zanetti, Alcorlo, Barjola o Camín. En 2004 junto con tres artistas castellanoleoneses, Carlos A. Cuenllas, David del Bosque y Santos Javier fundan el ‘Colectivo 4’, que es seleccionado en el proyecto expositivo Constelación Arte en 2007.

Durante su trayectoria artística ha participado en diversas exposiciones colectivas como por ejemplo: en el Museo de la Industria Harinera en Gordoncillo (León) con exposiciones como ‘Tránsitos’ o ‘Grupo El Paso. Informalismo leonés y derivaciones’ así  como la exposición  “Diálogo e intersecciones entre poesía y artes plásticas”. 

También ha realizado numerosas exposiciones a nivel individual, asimismo, en 2016 fue seleccionado junto con otros 15 artistas por los hoteles Eurostars, para el Proyecto Eurostars Exposiciones, una apuesta del Grupo Hotusa por ofrecer, a través de su cadena, todos los recursos posibles como medio de apoyo, conocimiento y difusión de la cultura y el arte. De ahí sus exposiciones en 2016 en Hotel Eurostars Gran Madrid 4*, Madrid y en 2017 Eurostars Das Letras Hotel 5*, Lisboa, Portugal. 

De igual modo entre 2019 y 2020 expuso en Alemania, en lo que es su primera experiencia más allá de la Península; antes, además de en España, lo había hecho en Portugal. Y lo hace bajo el título de ‘2250’, que es el kilometraje que ha cubierto su trabajo desde su casa a la capital alemana de Berlín. 

A lo largo de su carrera ha estado vinculado con el informalismo  a través de algunas aproximaciones, relaciones o vínculos con el informalismo en su amplia acepción del término, evolucionando hacia una abstracción sutil y pasando por una etapa pop de retratos a gran formato. 

Como el Cajón del Arte señala: “Su obra actual, articulada en torno a la soledad del ser humano y la inmensidad de los paisajes que le rodean, no imita ni representa la realidad exterior, sino que trasciende la apariencia formal de las cosas valiéndose de las técnicas esenciales del lenguaje plástico (...) Los suyos son paisajes sutiles, despojados y vacíos, en los que apenas ocurre nada y en los que esa nada es organizada con un mínimo de elementos. Imágenes que nos resultan familiares, similares, que siempre nos transmiten la aspiración a un momento de reflexión, de tranquilidad y sosiego”. 

Rafael Anel, 
#130116vnts.wht, 2019
Pigmentos y resinas acrílicas sobre loneta de algodón.

Una perfecta interpretación de su obra en general y de la muestra en particular que se expone temporalmente en el Torreón de Pernía. Ahondando los territorios  de experimentación de las nuevas vertientes abstractas, Rafael Anel “nos plantea una sutil, mínima y escueta sugerencia de un paisaje por medio de una gesticular e irregular línea del horizonte que se sitúa en un espacio totalmente vacío y desolador” ."Sobre la superficie desnuda del lienzo, nos aproxima a los mínimos esenciales de las descripciones lineales y gestuales básicas, que sirven para construir nuestro imaginario. Sin duda una obra de una gran sensibilidad descriptiva frente al vacío" (Luis García). 

Rafael Anel, 
#130116vnts.wht, 2019
Pigmentos y resinas acrílicas sobre loneta de algodón.

ENLACES DE INTERÉS:

Rafa Anel se abstrae de la hipermodernidad en el Hotel Eurostars Gran Madrid 4*: https://www.eurostarscultura.com/rafa-anel-hotel-eurostars-gran-madrid/

“1612”, una exposición del pintor leonés Rafa Anel en Oporto: https://tamtampress.es/2017/08/19/1612-una-exposicion-del-pintor-leones-rafa-anel-en-oporto/

1612, Rafael Anel: https://www.laventanadelarte.es/exposiciones/hotel-eurostars-gran-madrid/madrid/alcobendas/rafa-anel/21745 

La experiencia berlinesa de un pintor codificado: https://www.diariodeleon.es/articulo/cultura/experiencia-berlinesa-pintor-codificado/201912110102301966136.html 

Descubriendo artistas: Ramón Isidoro

 

Ramón Isidoro 
Fuente: La Nueva Crónica

Ramón Isidoro es un artista visual multidisciplinar, nace en 1964 en Valencia de Don Juan (León) pero reside en Asturias desde muy joven, donde ha participado de manera activa en los aspectos culturales de dicha tierra desde los años 90.

Su trabajo reúne pinturas, instalaciones, escenografías, fotografías y montajes que forman parte de importantes colecciones públicas y privadas, vinculándose con la búsqueda anhelante de lo sublime propia de la abstracción lírica. Así, durante un tiempo realizó diversas instalaciones para los conciertos en directo del grupo de rock Manta Ray y diseñó escenografías para el festival de cine de Gijón.

Su obra ha sido expuesta en diversas galerías y centros nacionales e internacionales, recientemente entre febrero y marzo de 2020 expuso la muestra ‘Pinturas vagorosas’ en la Galería Ármaga, donde introdujo al espectador en el arte abstracto con formas geométricas, que incluye espejos, elementos móviles y refleja a la perfección su estilo.

La faceta artística le lleva a diseñar y gestionar eventos culturales. Especializado en museografía, realiza trabajos para instituciones públicas y privadas además de para particulares (galerías, empresas,...).

En sus últimas exposiciones ha valorado conceptos como la exploración de luces visibles e invisibles que se plasman en sus composiciones dominadas por el oficio y la austeridad, donde el artista reclama un compromiso del espectador y una actitud contemplativa ajena a aquello que pretende impresionar o llamar la atención.

Alfonso Palacio, definió con gran elocuencia su obra en el catálogo para la exposición Negro que tuvo lugar en la Galería Vértice: “La conexión entre una pintura decididamente minimalista y una poética silenciosa lo que sorprende en el caso de este pintor es la capacidad que su trabajo tiene para traducir en unas ocasiones y evocar en otras, pero sin perder en ningún momento la especificidad del medio sobre el que se trabaja, y que en este caso es la pintura, esa fuente primigenia que muchas veces constituye, efectivamente, un punto de partida, pero que otras se convierte en un puerto, incluso inconsciente, de llegada. En este sentido, es mediante una extremada sensibilidad; mediante una interiorización de todos esos referentes que acompañan de manera continua al pintor, y con los que éste convive en armonía al mismo tiempo que en tensión; así como por medio de un claro dominio de la técnica de pintor y de su “cocina”, como Ramón Isidoro consigue realizar esa operación de alquimia, que se concreta la mayor parte de las veces en una pintura de corte abstracto, muy vinculada a la tradición del paisajismo interior. En ella destaca la capacidad de este artista para la plasmación de una infinita variedad de atmósferas y climas.”

 IDO, IV, 2019/ IDO, VIII, 2019 (expuestas temporalmente en el Torreón de Pernía)

Ramón Isidoro, Ido, IV, 2019
Collage 

Ramón Isidoro, Ido, VIII, 2019
Collage 

En palabras de Julio César Abad Vidal: “La obra de Isidoro, ya sea pictórica o fotográfica, siempre abstracta, progresa hacia una reflexión cada vez más marcada por la sensibilidad de lo sublime.”

Así en las dos obras que expone temporalmente en el Torreón de Pernía se refleja esa pintura de corte abstracto vinculado a la tradición del paisajismo interior, caracterizando a sus obras de una actitud reduccionista, dando como resultado un  producto de ese placer por experimentar con los medios plásticos, con una profunda dimensión atmosférica, ambiental y climática.

Expone dos piezas pictóricas muy minimalistas y esquemáticas, que representarían la máxima simplificación formal y estética de un paisaje simbólico y metafórico (Luis García para la exposición ‘Naturalezas’).

 

ENLACES DE INTERÉS:

Currículum de Ramón Isidoro: https://www.ramonisidoro.com/isidoro/presentacion.html

Ramón Isidoro: https://puxagallery.com/es/artista/ramon-isidoro/

Hypersonic Paintings: http://www.museobarjola.es/upload/publicaciones/HYPERSONIC_PAINTINGS4124.pdf

Ármaga recibe la obra de Ramón Isidoro: https://www.diariodeleon.es/articulo/cultura/armaga-recibe-obra-ramon-isidoro/202002080232251984422.html 

 

 

Descubriendo artistas: José Antolín Álvarez Chamorro

José Antolín Álvarez Chamorro recibiendo el premio del MARN
Fuente: Diario de León  

José Antolín Álvarez Chamorro nace en Benamariel (León) en 1962, pueblo que supondrá una fuente principal de su inspiración artística. 

Es un escultor polifacético en el uso de materiales, pues trabaja tanto la madera como el hierro, la cerámica o el bronce. Pero sin duda, dentro del empleo de esta variedad de materiales, el que sobresale es la madera, ya desde muy pequeño, el artista, mostró una gran afición por la talla de simples palos que encontraba. Esta afición le ha llevado a convertirse en uno de los escultores leoneses más reconocidos, usando siempre como materia prima, la madera. Destacando también una de sus obras leonesas: la talla del Cristo del Gran Poder que dio nombre a esta cofradía leonesa.

Durante su trayectoria artística ha participado en diversas exposiciones en Valencia de Don Juan en 1992, la Galería Sardón en 2002, donde tuvo lugar su primera exposición individual, donde el elemento principal fue la madera, con la creación de once tallas que el mismo autor definió como trágicas, duras, casi pesimistas.  También ha expuesto su obra en la galería Androx en 2003 o en la Sala Campus Stellae. 

De igual modo, ha sido seleccionado y galardonado en diversos premios y certámenes, así, en 2009 recibió el 1º Premio de escultura del 1º Concurso de Escultura del MARM (Ministerio de Medio Ambiente, Medio Rural y Marino) por su obra Número de magia (talla directa en acacia), donde se señaló que “quizá la cualidad más importante de este veterano escultor leonés sea la poesía con la que es capaz de impregnar todas sus creaciones. Poesía y ritmo que convierte la dura estructura de la madera en delicadas estructuras en las que las líneas curvas se entrelazan creando una delicada sensación de movimiento.” 

Su actividad artística resalta por el mérito de utilizar un material prácticamente relegado por las nuevas tendencias, pese a ser uno de los primitivos elementos de expresión artística, otorgándole a la madera la capacidad de transmitir emociones y sensaciones, caracterizando a sus obras por el realismo y la limpieza de detalles. 

VELARRUEDA (1997) Expuesta temporalmente en el Torreón de Pernía: 

Velarrueda (1997) Hierro, madera de iroco y nogal
68x30x128 cm 

De este modo, y tras estas premisas, Velarrueda (1997), obra expuesta temporalmente en el Torreón de Pernía, se convierte en una muestra perfecta del trabajo sobre la madera que realiza el artista. Una obra diferente en su trayectoria ya que su obra aparece principalmente ligada a la figura humana y que como bien explica Luis García: “José Antolín Álvarez Chamorro conjuga a la perfección la coordinación de la madera natural con el elemento metálico de origen industrial, relacionando directamente lo etnográfico con la escultura actual”.  

Velarrueda (1997) Hierro, madera de iroco y nogal
68x30x128 cm 

Por ello, vemos como Velarrueda, une de forma inmejorable el sentido de la exposición ‘Naturalezas’ con ese empleo principal de la madera como el elemento natural, añadiéndole además un elemento de carácter etnográfico, industrial, que conjuga a la par con la exposición permanente etnográfica del Torreón de Pernía, puesto que además ruedas como la que José Antolín incorpora en su obra, las podemos observar en diversas maquinarias manuales como las aventadoras que se exponen en el Torreón de Pernía. 

Rueda aventadora expuesta en el Torreón de Pernía

Velarrueda (1997) Hierro, madera de iroco y nogal
68x30x128 cm 

MÁS OBRAS DEL ARTISTA 

Hierro y Moral
Fuente: http://artists.fundaciondelasartes.org/

Homo 
Fuente: http://artists.fundaciondelasartes.org/

Enlaces de interés:

Escultura José Antolín Álvarez Chamorro (YouTube): https://www.youtube.com/watch?v=fjhlnPZEDyg 

Después del Silencio- Fundación Merayo: https://www.leoncultural.com/evento/despues-del-silencio-fundacion-merayo/

Colectiva de verano en Santibáñez de Porma: https://www.lanuevacronica.com/colectiva-de-verano-en-santibanez-de-porma

El escultor leonés Antolín Álvarez, premiado por Medio Ambiente: https://www.diariodeleon.es/articulo/cultura/escultor-leones-antolin-alvarez-premiado-medio-ambiente/200905300332001034539.html

Descubriendo artistas: Camino Román

 

Camino Román. Fuente: Tumblr Camino Román

Artista plástica y poeta, Camino Román, nace en 1981 en Veguellina de Órbigo, es licenciada en Bellas Artes e Historia del Arte por la Universidad de Salamanca, dividiendo su vida profesional entre la práctica artística y la enseñanza, trabajando como profesora de enseñanza secundaria en las especialidades de Dibujo y Geografía e Historia.

La artista emplea con enorme libertad las técnicas más dispares, desde el óleo tradicional a los aerosoles, pasando por la extensa gama de los acrílicos. Una persona alegre y vital, con gran dinamismo, lo cual se plasma en sus obras, dando lugar a trabajos conceptuales, donde muestra la posibilidad de expresar un conjunto de emociones, con el empleo de colores vivos que nos transmiten esa sensación de optimismo y energía. Basando la teoría de su obra en los procesos de la pintura y en la investigación artística.

Tras muchos años de labor artística, comenzará su andadura en la poesía, en este caso con poemas breves iniciándose con un poemario online, <3<3 en 2014, y ya cuenta con otros dos libros publicados: Una foto de un lugar que visitaste (Ediciones Ochoacostado, 2016) y Accidente (Rialp, 2017), galardonado con el accésit en el Premio Adonais. Este último está compuesto por 53 poemas, en su mayoría de composición anular o circular, que esconden, tras la apariencia liviana y divertida de sus versos, una mirada crítica del mundo actual.

Sus poemas, otra forma de observar su pintura, y es que como ella misma afirma: “Al final, un poema es como una pintura, una estructura.”

Ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales, así en 2012 presentaba una nueva exposición en la Casona de la Fundación Carriegos,  y en 2016 expuso por segunda vez en la galería Benito Esteban en Salamanca con “Todo está mal” donde su lenguaje pictórico se volvió mas rudo y primitivo, minimizando las formas plásticas transformándolas en texto o palabra, quizás porque en estos momentos su trayectoria como poeta ya había comenzado, y ahora el lenguaje escrito ya forma parte, aún más si cabe, en su obra artística.

FELIZ CUMPLEAÑOS

Feliz Cumpleaños (2020). Camino Román

Feliz Cumpleaños (2020) realizada en gouche sobre papel, se expone temporalmente en el hall de entrada en el Torreón de Pernía convirtiéndose en una gran muestra de su obra artística, donde podemos observar como su dedicación al expresionismo abstracto la lleva a realizar una pintura muy gestual, de amplios trazos y que casi siempre tiene unos luminosos fondos, en este caso con el absoluto predominio del amarillo, pero también del trazo azul, un color importante en sus composiciones. Con ello, da sentido a la exposición temporal “Naturalezas” otorgándole el color vivo y dinámico tan presente en la muestra.

En palabras de Luis García: “la libertad del trazo expresivo y gestual, la energética explosión del color que dinamiza la composición de forma vibrante, son elementos que sobresalen en la pieza de Camino Román”.

 

 

ENLACE INTERÉS

Página Tumblr de Camino Román: https://caminoroman.tumblr.com/

Exposición “Todo está mal”: https://www.arteinformado.com/agenda/f/todo-esta-mal-122666

Camino Román va de la abstracción al graffiti: https://www.diariodeleon.es/articulo/cultura/camino-roman-va-abstraccion-graffiti/201203080400021238461.html

 

Descubriendo artistas: Miguel Escanciano

 

Miguel Escanciano. Fuente: tamtampress.es

Artista polifacético y multidisciplinar, nació en León en 1953 y falleció el 19 de febrero de 2020, con una amplia trayectoria destacó en infinidad de facetas como poeta, cantautor, pintor, diseñador, actor y gestor cultural. Caracterizado por su espíritu autodidacta, este le llevó a lo largo de los años a explorar distintas maneras de expresarse. 

Sus orígenes se encuentran en la música folk, primero con el grupo ‘Chusma’ y luego como cantautor también en la década de los setenta. Participó en los festivales más importantes de la historia de la transición política española, entre otros Día de la Cultura de Gijón, con el mítico José Afonso en 1974, Festival de las Autonomías y Festival da Liberdade en 1976, así como en distintas ediciones de Villalar de los Comuneros. En 1984 grabó ‘Banderas de Abril’, una de las canciones más emblemáticas de la Comunidad, recogida en un disco del mismo nombre editado por el sello discográfico DRO.

Asimismo, en los años setenta formó parte de los grupos de teatro independiente Grutélipo y Experimental 5. Y a mediados de esa década, en 1974, fundó con Julio Llamazares, José Carlón y Mercedes Castro, el grupo de poesía ‘Barro’, con los que publicó el libro “Antología Poética”. Colaborando además en distintas revistas de poesía  como ‘Margen’,  ‘Cuadernos Leoneses de Poesía’ y ‘Fake’. “Hylas. Al sur de la mirada” fue su última publicación poética en el 2018.

En 1993 participó en la grabación “Salvemos la catedral” con las mejores canciones del pop y el rock leonés de los 80, a beneficio de unas obras urgentes en la Catedral de León, un año después publicaría el disco ‘De claveles y puñales’. 

Con el cambio de milenio, en el 2000, ‘Canciones de los tiempos vividos’. Y en el 2008 ‘Cantando al Gardel del Malevaje’, un disco de tangos. Al margen de su identidad como cantautor participó en diferentes proyectos musicales con diversos músicos leoneses: “Miguel Escanciano y Los Plati’s”, (con Mercedes Carlón, Fidel Tomé y Santi Jiménez), “Miguel Escanciano y Los Secuaces” (con Luis Quiroga, Toño Segura, Miguel Manero, Fernando Fraile, Santi Jiménez y Elicio del Barrio) y otros.

Persona de diferentes registros, se encontró cómodo en la pintura, habiendo realizado numerosas exposiciones, fue también uno de los fundadores de la Escuela de Diseño e Imagen para la Moda de España en la capital leonesa. 

La poesía y la música le llevaron a la pintura o viceversa, porque la pintura es, a su juicio, magia capaz de convertir el  trazo y el color en una imagen, en un poema gráfico. Para él una experiencia vital e imprescindible, que le da vida. "Creo que mis dibujos son poemas  visuales fáciles de interpretar  por el espectador,  y en los que algunas veces involuntariamente somos cómplices". Y es que como él mismo afirmó: “Yo creo que todo está interrelacionado, si lees mi poesía ves en ella elementos mitológicos que los tiene también mi pintura, la naturaleza… y creo que también mi obra tiene ritmo, hay música”.

 

Detalle obra S/T. Miguel Escanciano. Expuesta temporalmente en el Torreón de Pernía

Respecto a su obra artística, podemos hablar de obras delicadas, minuciosas, sentimentales que generan en el espectador una emoción, un pensamiento, convirtiéndose en un modo y medio de reflexión, así a través de la obra que se expone temporalmente en el Torreón de Pernía, nos evoca a los tratamientos de la cestería tradicional a través de materiales humildes y pobres de la naturaleza, desde una revisión actual y reivindicativa del mundo textil experimental como medio creativo. Una muestra que se entrelaza en perfecta conexión con el entorno y con el centro etnográfico y la colección permanente, la obra de Miguel Escanciano se sitúa en el hall de entrada y próxima a ella, en el aula de recreación de la ‘Cocina tradicional cepedana’ observamos esta misma técnica de cestería en vivo y en directo en los cestos y escriños que exponemos. 

La naturaleza, un elemento presente de forma continua en su obra, así en 'Jardines Metafóricos' tuvo la posibilidad de explorar el imaginario natural a través en esa ocasión de una vegetación exuberante de color y simbolismo, llevando a cabo su pintura más poética. 

Campo de refugiados. Miguel Escanciano. 

Finalmente, esta exposición temporal, ‘Naturalezas’, es un sencillo pero profundo y sincero homenaje a él, utilizando además su obra en el cartel de la muestra, un creador fundamental en la transición democrática en León. 

Cartel para la exposición temporal 'Naturalezas'

ENLACES DE INTERÉS

Muere Miguel Escanciano, esencial en la cultura leonesa de las últimas cinco décadas: https://www.ileon.com/cultura/105469/muere-miguel-escanciano-esencial-en-la-cultura-leonesa-de-las-ultimas-cinco-decadas 

Miguel Escanciano, en blanco y negro: https://armaga.com/2014/09/29/miguel-escanciano-en-blanco-y-negro/ 

Miguel Escanciano puebla sus ‘Jardines Metafóricos’ de pictogramas poéticos: https://tamtampress.es/2018/05/10/miguel-escanciano-puebla-sus-jardines-metaforicos-de-pictogramas-poeticos/ 

Miguel Escanciano se fue en busca de nuevos soles: https://tamtampress.es/2020/02/19/miguel-escanciano-se-fue-en-busca-de-nuevos-soles/ 

Descubriendo artistas: Bruno Santín

Bruno Santín. Fuente: La Nueva Crónica

Originario de Lillo del Bierzo e hijo de minero, Bruno Santín nace en 1972 y se declara como un conservador entusiasta y optimista. Artista multidisciplinar, con una pasión especial por el collage, ya que como él mismo afirma: «el collage es libertad total, no hay barreras ni fronteras», destaca además por su trayectoria artística como ilustrador. 

Aunque comenzó trabajando en diversos oficios como en una copistería, en una tienda de ropa o en un almacén, su trabajo continuo y perseverante le condujo al  reconocimiento de su obra y al creciente aumento y éxito de su carrera artística, constituyendo uno de los mejores ejemplos de que con esfuerzo y constancia se logra una recompensa. De este modo ha sido reconocido como uno de los 100 mejores ilustradores por la prestigiosa editorial alemana Taschen, que incluirá seis de sus dibujos en el libro ‘The Illustrator’, donde se recogen las obras de los 100 mejores ilustradores del momento.

Desde sus comienzos, el mundo de la moda siempre llamó su atención, desde un punto de vista artístico, lo que le condujo a la Escuela de Artes de León donde estudiaría un Grado Superior de Arte Textil, y donde trabajó con diversas técnicas como el estampado o grabado, aunque su pasión por el dibujo siempre estuvo presente, hasta llegar finalmente a su dedicación a la ilustración de la moda. 

Comenzaría dando sus primeros pasos con trabajos en su tierra, en Ponferrada, con un encargo del diseño de las nuevas bolsas para la peluquería y tienda de moda Marcos. Posteriormente, sus obras han aparecido en portadas de revistas de éxito como Shangay o Dear Magazine o en trabajos de artistas como Rafa Spunky, creando la portada de su disco.

De esta forma, su trabajo se convierte en un elemento decisivo en un momento como el actual, en el que el mundo de la ilustración se ha transformado en una nueva elite artística con mucha demanda. Y no solo la evolución de la ilustración juega un punto clave en la vida del artista, sino también el desarrollo de las plataformas o redes sociales. Él mismo, destaca la función que cumplen hoy en día las redes sociales, en especial Instagram, como una manera de darse a conocer a nivel mundial, y en la que se encuentra de manera activa. Gracias a ello, visitando su Instagram podremos conocer su obra de manera fácil y sencilla, el cual dejamos en el siguiente link: (Instagram Bruno Santín). 

Su obra se caracteriza por su propia personalidad, capaz de trasladar al papel ese positivismo tan característico de él, lo que logra trasmitir a través del colorido, con una especial presencia, el rosa, el cual ya se ha convertido en un elemento característico que rápido asimilamos al autor al contemplar su obra.  El mismo definió su obra como «colorista, limpia, positiva y optimista, lo que es de gran ayuda en estos tiempos oscuros que vivimos».

Actualmente trabaja a caballo entre España y Estados Unidos, en este último destino centrándose más en el mundo de la ilustración de la moda, pero sin olvidar su procedencia, Bruno, continúa la retratística desde un punto más ‘personal’ en su tierra berciana; del mismo modo, en 2019 sus ilustraciones inauguraron la programación cultural del programa 2019-20 del centro asociado de la UNED en Ponferrada.  

MARY KATRANTZOU (2019) y FANTASÍA (2019) (Ilustraciones expuestas temporalmente en el Torreón de Pernía, pertenecientes a la exposición 'Naturalezas')

Ilustraciones de Bruno Santín expuestas temporalmente en el Torreón de Pernía

En este caso, el Torreón de Pernía expone temporalmente dos de sus ilustraciones, donde podemos observar perfectamente algunos de sus rasgos característicos, como los trazos limpios, el colorido vivo y ese rosa casi siempre presente en el pelo. Ambas realizadas con rotulador, lápices de colores y acuarela sobre papel, se convierten en asociaciones de imágenes, colores y líneas que originan nuevas figuras, símbolos y alegorías. 

Aunque la gran mayoría de sus ilustraciones se atribuyen al género del retrato, o la ilustración de la moda en algunas ocasiones sus obras, incluyen algunos de los elementos fetiche de Santín, como mariposas y flores que salpican sus composiciones, y que podemos apreciar perfectamente en Fantasía (2019).

La figuración que genera la síntesis entre la naturaleza y el hombre emerge con intensidad en las genuinas y magistrales ilustraciones de Bruno Santín (Palabras de Luis García para la exposición ‘Naturalezas).

 

ENLACES DE INTERÉS 

El berciano Bruno Santín reconocido en el libro ‘The Illustrator’ como uno de los 100 mejores ilustradores del momento: https://www.infobierzo.com/el-berciano-bruno-santin-reconocido-en-el-libro-the-illustrator-como-uno-de-los-100-mejores-ilustradores-del-momento/493270/

Bruno Santín, un artista ‘Taschen’:  https://www.lanuevacronica.com/bruno-santin-un-artista-taschen

En Primera Persona, Bruno Santín: https://www.youtube.com/watch?v=dqOgSspD3mI 

Descubriendo artistas: Cristina Ibáñez

 

Cristina Ibáñez. Fuente: tamtampress.es

Cristina Ibáñez nace en León en 1962, es licenciada en Bellas Artes y doctora en Humanidades por la Universidad Pompeu Fabra (Barcelona), actualmente es profesora de Artes Plásticas, Diseño en la Escuela de Arte y Superior de Conservación y Restauración de León, actividad que combina con la creación y la restauración de BBCC.

Sus estudios de pintura comienzan en el año 1981, participando con el Colectivo de Jóvenes Artistas Plásticos de León, con el que realiza varios encuentros en León y Sahagún. Desde el comienzo del periodo de formación trabaja y expone en Cataluña y León hasta finales de los años 80, momento en que regresa a León por un periodo de dos años tras el que vuelve de nuevo a Barcelona. Visita Alemania y realiza una pequeña exposición a través de una Asociación Cultural en la ciudad de Hechingen para regresar, tras otras experiencias profesionales, finalmente a León desde los años 90.

Durante su trayectoria artística aparece ligada al ‘informalismo’ manteniendo algunas relaciones o aproximaciones con el estilo, en su definición más amplia.

Asimismo cabe destacar su profunda vinculación con la naturaleza. De este modo, en 2018 expone ‘Acervo’, una exposición vinculada con la simbología de los mandalas, relacionando los lenguajes y la unión entre la palabra y el signo gráfico entendido en diferentes vertientes, que abarcan desde las imágenes de la prehistoria a los signos y escrituras de todo el mundo, manifestando gran interés por experimentar con soportes y técnicas mixtas. Es esta exposición emplea materias orgánicas propias del paisaje rural, enlazando el pasado con el presente y a través de los  cuatro elementos (fuego al sur; tierra al este; aire al norte y agua al oeste) relacionados con la orientación del lugar de exposición (Palacio de Don Gutierre), consigue vincular y hacer partícipe tanto al edificio como al espectador el cual completaría el círculo.  (https://cultura.jcyl.es/web/jcyl/Cultura/es/Plantilla100Detalle/1284282053297/_/1284803928965/Comunicacion)

Obra Cristina Ibáñez para 'Acervo'. Fuente: diariodeleon.es

En ese mismo año, 2018, en el Torreón de Pernía tuvo lugar la exposición ‘Tensiones’ donde Cristina Ibáñez participa en este caso vinculada al arte efímero, Efímero III, donde de nuevo aparecen reflejados sus conocimientos y estudios sobre los signos y escrituras, a la par que su vinculación, siempre presente, con la naturaleza.  En este caso, nos trasladó a través de su instalación a las pinturas rupestres esquemáticas de Peña Piñera, en Sésamo (Vega de Espinareda, León), se trata de un antropomorfo en forma de ‘Phi’ griega. La instalación quiso rendir un homenaje a este tipo de pinturas esquemáticas rupestres que enlazan con la imaginería de las pinturas que son comunes en diferentes entornos. El hecho de representarlo en materiales coloreados y reciclados y sobre el terreno hace referencia a la vida como un acontecimiento efímero, y la posibilidad de recordar formas elementales en entornos enlazados por hitos sagrados asociados a lo recóndito de un lugar oculto a los ojos de los mortales. 

Efímero III, instalación para la exposición 'Tensiones'

También en 2019 presentó su exposición ‘Kami’, un término japonés, el cual simboliza la fuerza, expresión o energía de los fenómenos de la naturaleza;  por lo que para la muestra encontró su inspiración en la montaña de Valdeteja, tendiendo puentes “entre el oriente del alma y el occidente de la crítica” (https://tamtampress.es/2019/12/09/cristina-ibanez-explora-la-naturaleza-tendiendo-puentes-entre-oriente-y-occidente-en-su-exposicion-kami/)

BIOMANDALA AZUL (Obra expuesta temporalmente en el Torreón de Pernía realizada junto con Fernando Tuñón)

Biomandala azul, 2019 (Cristina Ibáñez y Fernando Tuñón) 

Cómo se ha podido observar las referencias simbólicas a la energía o fuerza de los diferentes fenómenos de la naturaleza están constantemente representados en su obra, hecho que se ve reflejado también en la obra que expone junto con Fernando Tuñón para la exposición ‘Naturalezas’. 

Bajo el título Biomandala azul (2019) ambos artistas presentan una fotografía digital sobre aluminio. Una fotografía donde el color, la materia y forma evocan el medio natural, tan presente en la trayectoria artística de Cristina Ibáñez, además de su vinculación con los mandalas, estos elementos cuya terminología es de origen sánscrito, se traducen como circulo, rueda o totalidad aunque también se traduce como el círculo de la energía en expansión; representando la unidad, armonía y la infinitud mediante el equilibrio de los elementos visuales, elementos empleados para meditar y reflexionar sobre la transitoriedad de la vida, es al mismo tiempo un resumen de la manifestación espacial, una imagen del mundo y una representación de los poderes divinos, una definición que encaja perfectamente al contemplar biomandala azul.

Las formas naturales, estructuradas y ordenadas geométricamente con sentido efímero surgen como expresión de la espiritualidad y fusión equilibrada entre el hombre, el cosmos, y la naturaleza en el Mándala azul de Cristina Ibáñez y Fernando Tuñón (Luis García para la exposición ‘Naturalezas’)

Biomandala azul, 2019 (Cristina Ibáñez y Fernando Tuñón) 

Biomandala azul, 2019 (Cristina Ibáñez y Fernando Tuñón) 

«Para mí hay mucha desnudez personal, en mi obra, pero en esa desnudez es donde yo pienso que me puedo comunicar con cualquier otro ser, porque desnudos somos todos iguales y esto es la parte que más me interesa explorar y comunica directamente a través de lo espiritual, de las emociones, de lo trascendente» (Palabras de Cristina Ibáñez para una entrevista en La Nueva Crónica, 2019 https://www.lanuevacronica.com/me-gustaria-conocer-japon-y-visitar-una-fabrica-de-papel)

 

ENLACES DE INTERÉS:

Cristina Ibáñez: https://actividadesculturales.unileon.es/507

Los ‘mandalas’ de Cristina Ibáñez: https://www.diariodeleon.es/articulo/cultura/lsquo-mandalas-rsquo-cristina-ibanez/201804120400021759791.html

 

Descubriendo artistas: Casimiro Martinferre

Casimiro Martinferre. Fuente: armaga.com

Casimiro Martínez Ferrero, más conocido por Martinferre, es originario de Bembibre, donde nace en 1960, comenzando su trayectoria como fotógrafo 20 años después en 1980. 

Es un incondicional de la fotografía en blanco y negro, de la cámara tradicional, en una actualidad en la que las fotografías instantáneas son tan constantes y tan apresuradas, en este caso Martinferre refleja la paciencia en la captura de la imagen, resaltando en su obra, de esta forma, la película analógica, creando fotografías narrativas. 

Según su propia nota autobiográfica: En esos primeros años, expuso en las más variopintos ruedos de la contracultura, en un afán quijotesco de acercar su visión a los recalcitrantes: bares, mesones, casas del pueblo, refugios de peregrinos, hogares del pensionista…

Su obra fotográfica ha estado expuesta en varias galerías de arte, no solo a nivel nacional, sino también a nivel internacional como en la galería Osloart de Noruega. Entre sus exposiciones en galerías leones destacar Ármaga y Dosmilvacas. 

Además de fotógrafo es un magnífico narrador, y colaborador de varios medios de prensa escrita entre los que destaca ‘La Nueva Crónica’ o ‘Bembibre Digital’. Y es que como el propio artista opina en una entrevista para ileón, medio de información digital: “una imagen vale más que mil palabras, es una de las mayores mentiras que podrás escuchar. La fotografía sólo capta un instante, una décima de segundo de la vida: esa es su grandeza. Pero la vida se compone de infinitos instantes, y ahí es donde ganan por goleada las palabras".

De esta forma consigue ligar ambos, la palabra y la imagen, que combina en sus publicaciones como ‘Manuscrito de los Brujos’ una publicación que relata las peripecias de un explorador dominguero, impulsado por un afán investigador hacia la más antigua manifestación cultural del Bierzo: las pinturas rupestres que yacen en sus remotos valles. Aunque no ha sido este el  único publicado, también mencionar “Aires de Xistra” y “Diario de un montañero” o “Territorio”, nombre que también recibió una de sus exposiciones fotográficas, y que recopila las fotografías y los textos aparecidos en esta exposición y en las narraciones que escribió para La Nueva Crónica, durante más de un año.  

En este último libro, “Territorio”, aparecen también sus primeras fotografías las tomadas en los años 80 y 90, las cuales aparecen en un formato cuadrado debido al negativo, realizadas con una cámara hasselblad de negativos de 6x6. En ellas, se puede apreciar su historia y comienzo como fotógrafo, en su amor al paisaje y su afición a la montaña, de ahí su origen comenzando a fotografiar paisajes, ríos o naturalezas muertas, como el caso de la pieza expuesta en el Torreón de Pernía. Para retratar posteriormente, a los habitantes de los pequeños pueblos de las montañas. Como el artista cuenta: “aunque suene paradójico primero descubrí los paisajes y después a la gente que los habitaban”. Por lo que en base a esas fotografías, y a esos instantes captados, comenzó a escribir los textos relativos a los recuerdos que esa fotografía le transmitía.  

Así, en el diario leonés, La Nueva Crónica, podemos leer la narración donde aparece la fotografía de naturaleza muerta, Esqueleto, que expone actual y temporalmente en el Torreón de Pernía; donde uno de sus fragmentos dice:

“Traeré un elenco de doncellas, para que sus estros nuevos fertilicen tus raíces. Iniciaré en ti una pulsión, fecundando con lechada de toro el seco serrín de tus entrañas. Te inyectaré savia de vino y resina perfumada. Crearé una corteza superponiendo en el tronco capas de rico brocado. Prenderé en las ramas hojas de charol, manzanas de vidrio soplado, flores de macramé aromatizadas con canela. Trinarán y anidarán bajo tu amparo las más exquisitas aves, en jaulas de cristal.” (Pueden leer el texto haciendo clic aquí)

ESQUELETO 2012 (Expuesta temporalmente en el Torreón de Pernía)

Obra que forma parte de la exposición temporal “Naturalezas” y se ubica en la escalera de acceso a la segunda planta, en el Torreón de Pernía.

En palabras de Luis García, comisario de la muestra, el sentido poético y evocador de la naturaleza arbórea yerma, desnuda y muerta se hace presente con fuerza en la fotografía Esqueleto de Casimiro Martinferre. 

En ella representa su amor por la naturaleza y el retrato del paisaje, como sus primeras fotografías de los años 80 y 90, la fuerza que evoca la imagen donde es capaz de mostrar en una instantánea los caprichos de la vegetación, el olvido y el silencio. 

MÁS OBRAS DEL ARTISTA:

Entrada al Edén, 1988

Los restos de Cristo, 2012

Demín

ENLACES DE INTERÉS:

https://armaga.com/artistas/casimiro-martinferre/

https://www.ileon.com/cultura/045327/casimiro-martinferre-en-el-quijote-bullen-todos-los-universos-reales-y-ficticios

https://tamtampress.es/2016/09/29/martinferre-presenta-en-la-galeria-armaga-su-libro-de-fotos-y-relatos-territorio/ 

Descubriendo artistas: Julia G. Liébana

 

Julia G. Liébana. Fuente: julialiebana.com 

Julia González Liébana comparte su profesión de Ciencias Empresariales con la fotografía artística. Comenzó de forma autodidacta en 1987. Con el paso de los años la curiosidad inicial se ha convertido en algo más. En 1994 fue cofundadora del estudio F22, especializado en fotografía industrial y publicitaria. Fue miembro de la Junta Directiva de FOCUS (Asociación de Fotógrafos de León) durante 12 años; colaborando en los cursos impartidos. En el año 2014 desarrolla el cargo de Presidenta de dicha asociación y actualmente es “Socia de Honor”.

En su amplia trayectoria artística, ha realizado diversas exposiciones individuales, como en 2015 en el Camarote Madrid o en 2014 en Galería Armaga, formando parte del Festival Nacional “Miradas de Mujeres 2014”, entre otras muchas. Asimismo, ha formado parte de diversas exposiciones colectivas mencionar algunas de las últimas, como ‘Tránsitos’ Una aproximación a la colección de Arte Contemporáneo de la Diputación de León en 2017 o en 2018 participando en la II Bienal Internacional de Arte y Cultura en Roma. 

También ha sido galardonada en diversas ocasiones, así en 2015 recibió el Primer Premio Regional del XXXVII Certamen Nacional PALENCIA-IMAGEN; en 2017 fue premiada en el V Certamen Nacional de Artes Plásticas Camarote Madrid. Uno de los últimos premios recibidos fue en mayo de 2018 con la fotografía ‘Naturaleza muerta’ en el concurso de fotografía en blanco y negro, convocado por el Museo de León para celebrar el Día Internacional de los Museos. 

Aunque se interesa en un primer momento por la fotografía analógica, posteriormente comenzará sus trabajos en el mundo digital, aunque sin perder el trabajo artesanal, confiriéndole un acabado pictórico. De esta forma, recupera la tradición clásica de las fotografías iluminadas. 

Como ella misma describe en su página web: “En mi trayectoria como fotógrafa, siempre ha habido una experimentación y una búsqueda constante. Creo que como bien ha dicho algún creador, tanto en la fotografía como en cualquier forma de arte, siempre hay una proyección de tu mundo interior hacia el exterior y siempre hay una búsqueda y un redescubrimiento de uno mismo.”

Los últimos temas sobre los que ha basado sus obras han sido la identidad y las perspectivas de género, tratados a través del retrato conceptual, así lo mostró en exposiciones como “Y… no están todas?” junto con Esthér Santás. 

Mencionar también que no solo se dedica a la fotografía sino que como ella misma se define es artista visual y videasta, de ahí sus cortometrajes: “Estudio sobre la Luna” en 2017 y “Color Violeta, pliegues sobre la memoria” de 2018. 

SERIE NATURALEZAS MUERTAS, 2020 (expuestas temporalmente en el Torreón de Pernía)

Serie naturalezas muertas. Julia G. Liébana

"La mayoría de las imágenes están construidas con muchos vacíos alrededor, mucho silencio lo llamo yo, para captar mejor la atención del espectador y poner así de relieve la esencia de la imagen" Julia G. Liébana. 

Serie naturalezas muertas. Julia G. Liébana

Serie naturalezas muertas. Julia G. Liébana

En este caso, sus instantáneas parten de la utilización del concepto de bodegón clásico en la composición de cada obra. Sus piezas pueden llegar a crear cierta sensación de melancolía y ensoñación, jugando un papel fundamental en estas emociones el color sepia, que además implica el recuerdo a la fotografía tradicional. 

"La relación entre la pintura barroca clásica de bodegones de Sánchez Cotán y la fotografía artística y actual se formaliza bellísima y magistralmente en las dos piezas de la Serie naturalezas muertas de Julia González Liébana" Luis García, para la exposición 'Naturalezas'. 

MÁS OBRAS 

Tres ejemplos del arte fotográfico de la leonesa Julia G. Liébana.
Fuente: La nueva crónica

“Naturaleza muerta”, fotografía de Julia González Liébana, ganadora del VI Concurso de Fotgrafia en b/n del Museo de León. Fuente: tamtampress.es

Fotografía expuesta en Camarote Madrid. Fuente: tamtampress.es  

ENLACES DE INTERES:

http://julialiebana.com/

https://www.lanuevacronica.com/julia-g-liebana-un-delicado-intimismo

https://tamtampress.es/2020/05/18/julia-gonzalez-liebana-se-lleva-el-premio-del-vi-concurso-de-fotografia-en-b-n-convocado-por-el-museo-de-leon/